Estilos Artísticos - surrealismo

Surrealismo

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech nasceu em 11 de maio de 1904, na cidade espanhola de Figueres (Catalunha). Foi um dos mais importantes artistas plásticos (pintor e escultor) surrealistas da Espanha. 

Vida do artista, fases e estilo: 

Desde a infância, Dalí demonstrou interesse pelas artes plásticas. No ano de 1921, entrou para a Escola de Belas Artes de São Fernando, localizada na cidade de Madrid. Porém, em 1926, foi expulso desta instituição, pois afirmava que ninguém era suficientemente competente para o avaliar.

Nesta fase da vida, conviveu com vários cineastas, artistas e escritores famosos, tais como: Luis Bruñel, Rafael Alberti e Frederico Garcia Lorca.

Em 1929, viajou para Paris e conheceu Pablo Picasso, artista que muito influenciou a produção artística de Dalí. No ano seguinte, começou a fazer parte do movimento artístico conhecido como surrealismo.

A década de 1930 foi um período de grande produção artística de Dali. Nesta fase, o artista representava imagens do cotidiano de uma forma inesperada e surpreendente. As cores vivas, a luminosidade e o brilho também marcaram o estilo artístico de Dali. Os trabalhos psicológicos de Freud influenciaram muito o artista neste período É desta fase uma de suas obras mais conhecidas “A persistência da Memória”, que mostra um relógio derretendo.
Em 1934, Dali casou-se com uma imigrante russa chamada Elena Ivanovna Diakonova, conhecida como Gala.
Em 1939, foi expulso do movimento surrealista por motivos políticos. Grande parte dos artistas surrealistas eram marxistas e justificaram a expulsão de Dalí, alegando que o artista era muito comercial.
Em 1942, Dali e sua esposa foram morar nos Estados Unidos, país em que permaneceu até 1948. Voltou para a Catalunha em 1949, onde viveu até o final de sua vida.
Em 1960, Dali colocou em prática um grande projeto: o Teatro-Museo Gala Salvador Dali, em sua terra natal, que reuniu grande parte de suas obras.
Em 1982, com a morte de sua esposa Gala, Dali entrou numa fase de grande tristeza e depressão. Parou de produzir e se recusava a fazer as refeições diárias. Ficou desidratado e teve que ser alimentado por sonda. Em 1984, tentou o suicídio ao colocar fogo em seu quarto. Passou a receber o cuidado e atenção de seus amigos.
Dali morreu na cidade de Figueres, em 23 de janeiro de 1989, de pneumonia e parada cardíaca.

Principais obras de Salvador Dalí:

1922 - Cabaret Scene e Night Walking Dreams
1925 - Large Harlequin and Small Bottle of Rum
1926 - Basket of Bread e Girl from Figueres
1927 - Composition With Three Figures e Than Blood
1929 - O Grande Masturbador
1929 - Os Primeiros Dias da Primavera
1931 - A Persistência da Memória
1931 - A Velhice de Guilherme Tell
1932 - O Espectro do Sex Appeal,
1932 - O Nascimento dos Desejos Líquidos
1932 - Pão-antropomorfo catalão
1933 - Gala Com Duas Costeletas de Carneiro em Equilíbrio Sobre o Seu Ombro
1936 - Canibalismo de Outono
1936 - Construção Mole com Feijões Cozidos
1938 - España 1938
1937 - Metamorfose de Narciso
1937 - Girafa em Chamas
1940 - A Face da Guerra
1943 - Poesia das Américas
1944 - Galarina e Sonho Causado Pelo Voo de uma Abelha ao Redor de Uma Romã um Segundo Antes de Acordar
1945 - A Cesta do Pão
1946 - A Tentação de Santo Antônio
1949 - Leda Atômica
1949 - Madona de Portlligat.
1951 - Cristo de São João da Cruz
1954 - Crucificação ("Corpus Hypercubus")
1956 - Natureza-Morta Viva
1958 - Rosa Meditativa
1959 - A Descoberta da América por Cristóvão Colombo
1970 - Toureiro Alucinógeno
1972 - La Toile Daligram
1976 - Gala Contemplando o Mar
1983 - The Swallow's Tail. 

Estilos Artísticos - surrealismo

Surrealismo

Nas duas primeiras décadas do século XX, os estudos psicanalíticos de Freud e as incertezas políticas criaram um clima favorável para o desenvolvimento de uma arte que criticava a cultura européia e a frágil condição humana diante de um mundo cada vez mais complexo. Surgem movimentos estéticos que interferem de maneira fantasiosa na realidade.
O surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da representação do irracional e do subconsciente. Suas origens devem ser buscadas no dadaísmo e na pintura metafísica de Giorgio De Chirico.
Este movimento artístico surge todas às vezes que a imaginação se manifesta livremente, sem o freio do espírito crítico, o que vale é o impulso psíquico. Os surrealistas deixam o mundo real para penetrarem no irreal, pois a emoção mais profunda do ser tem todas as possibilidades de se expressar apenas com a aproximação do fantástico, no ponto onde a razão humana perde o controle.
A publicação do Manifesto do Surrealismo, assinado por André Breton em outubro de 1924, marcou historicamente o nascimento do movimento. Nele se propunha a restauração dos sentimentos humanos e do
instinto como ponto de partida para uma nova linguagem artística. Para isso era preciso que o homem tivesse uma visão totalmente introspectiva de si mesmo e encontrasse esse ponto do espírito no qual a realidade interna e externa são percebidas totalmente isentas de contradições.

A livre associação e a análise dos sonhos, ambos métodos da psicanálise freudiana, transformaram-se nos procedimentos básicos do surrealismo, embora aplicados a seu modo. Por meio do automatismo, ou seja,
qualquer forma de expressão em que a mente não exercesse nenhum tipo de controle, os surrealistas tentavam
plasmar, seja por meio de formas abstratas ou figurativas simbólicas, as imagens da realidade mais profunda do
ser humano: o subconsciente.
O Surrealismo apresenta relações com o Futurismo e o Dadaísmo. No entanto, se os dadaístas propunham apenas a destruição, os surrealistas pregavam a destruição da sociedade em que viviam e a criação de uma nova, a ser organizada em outras bases. Os surrealistas pretendiam, dessa forma, atingir uma outra realidade, situada no plano do subconsciente e do inconsciente. A fantasia, os estados de tristeza e melancolia exerceram grande atração sobre os surrealistas, e nesse aspecto eles se aproximam dos românticos, embora sejam muito mais radicais.

Estilos Artísticos - Dadaísmo

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp - "L.O.O.H.Q."

Marcel Duchamp, pintor, poeta, experimentador visual (filmes), escultor e jogador de xadrez, nasceu no dia 28 de Julho de 1887, em Blainville, perto Rouen, França.
Em 1911, com 24 anos, juntou-se à “Secção Dourada” (clube de pintores), onde conheceu Picabia, Metzinger, entre outros.
Reinterpretou o cubismo à sua maneira, o que pode ser visto em “The Chess players”, nos seus estudos para o seu “Nudes descending a Staircase" e “The Coffe-Mill”.
O experimentação e a provocação levaram-no a adoptar ideias radicais como os seus peculiares ready-mades e as intervenções. Os ready-mades são, sem mais nem menos, objectos banais do quotidiano que Duchamp escolhia aleatoriamente e os elevava ao estatuto de obra de arte, assinando-os, intitulando-os e colocando-os num pedestal, como por exemplo, “A fonte” (um urinol assinado com o nome “R. Mutt”). As interferências consistiu em interferir numa obra de arte, como é o caso de “L.H.O.O.Q.” (uma reprodução da Mona Lisa de Leonardo DaVinci, na qual Duchamp pintou uns bigodes.) Tento os ready-mades como as interferências tinham como objectivo demonstrar o desprezo que Duchamp tinha pela arte e valores tradicionais.
Durante a sua vida esteve na origem de projectos como as publicações “The Blind Man”, “Rongwrong”, “VVV”, pintou diversos imagens tanto em tela como em vidro e fundou, juntamente com Katherina Dreier, a “Société Anonyme” (Sociedade Anónima).
Duchamp faleceu em 1968, deixando um legado artístico que abriu caminho a novas correntes artísticas assim como influências fortes em diversos artistas.


Artista francês, Marcel Duchamp nasceu em Blainville, França, a 28 de julho de 1887, e morreu em Nova York, EUA, em 2 de outubro de 1968. Irmão do pintor Jacques Villon (Gastón Duchamp) e do escultor Raymond Duchamp-Villon. Frequentou em Paris a Academie Julian, onde pinta quadros impressionistas, segundo ele, "só para ver como eles faziam isso".

Em 1911-1912 suas obras "O rei e a rainha cercados de nus" e "Nu descendo uma escada" estão na confluência entre o Cubismo e o Futurismo. São quadros simultaneistas, análises do espaço e do movimento. Mas já se destacam pelos títulos, que Duchamp pretende incorporar ao espaço mental da obra.

Entre 1913-1915 elabora os "ready-made", isto é, objetos encontrados já prontos, às vezes acrescentando detalhes, outras vezes atribuindo-lhes títulos arbitrários. O caso mais célebre é o de "Fonte", urinol de louça enviado a uma exposição em Nova York e recusado pelo comitê de seleção. Os títulos são sugestivos ou irônicos, como "Um ruído secreto" ou "Farmácia". Detalhe acrescentado em um "ready-made" célebre: uma reprodução da Gioconda, de Leonardo da Vinci, com barbicha e bigodes.

Segundo o crítico e historiador de arte Giulio Carlo Argan, os "'ready-mades' podem ser lidos como gesto gratuito, como ato de protesto dessacralizante contra o conceito 'sacro' da 'obra de arte', mas também como vontade de aceitar na esfera da arte qualquer objeto 'finito', desde que seja designado como 'arte' pelo artista".

Esses "ready-mades" escondem, na verdade, uma crítica agressiva contra a noção comum de obra de arte. Com os títulos literários, Duchamp rebelou-se contra a "arte da retina", cujos significados eram só, segundo ele, impressões visuais. Duchamp declarou preferir ser influenciado pelos escritores (Mallarmé, Laforgue, Raymond Roussel) - e não pretendia criar objetos belos ou interessantes. A crítica da obra de arte se estendia à antítese bom gosto-mau gosto.

Entre 1915 e 1923 o artista dedicou-se à sua obra principal, "O grande vidro", pintura a óleo sobre uma placa de vidro duplo dividido em duas secções. A parte superior chamou de "A noiva desnudada pelos seus celibatários, mesmo"; e a inferior, "Moinho de chocolate". Toda a obra é um pseudomaquinismo: a "noiva" é um aparato mecânico, assim como os "celibatários". Contendo vários níveis de significação, várias hipóteses foram formuladas pela crítica para descobrir o sentido de sua complicada mitologia.

Para Giulio Carlo Argan, "O grande vidro" foi desenvolvido "em torno de significados erótico-místicos, joga com a transparência do espaço, com o significado alquímico e simbólico, com o conceito de 'andrógino', inato em todos os indivíduos".

Estilos Artísticos - Dadaísmo

Dadaísmo

O movimento Dadá surgiu em Zurique em 1916, no decurso da Primeira Guerra Mundial, pela mão de artistas que aí se encontravam refugiados e que se consideravam apátridas, muitos deles considerados desertores ou traidores nos seus países. Negando o passado, o presente e o futuro, o Dadaísmo é a total falta de perspectiva diante da guerra; daí ser contra as teorias, as ordenações lógicas, pouco se importando com o espectador. Opõe-se aos valores tradicionais, procurando destruí-los, defendendo a liberdade desenfreada do indivíduo, a espontaneidade e a imperfeição.
    Contestavam o belicismo e todos os valores considerados eternos. Para isso, utilizavam a ironia, a troça, o insulto, a crítica, de modo a destruir a ordem e estabelecer o caos. O próprio nome do movimento não tem significado algum.

    Um dos Manifestos Dadá, de 1918, afirma que a arte é uma imbecilidade e tudo o que se vê é falso, por isso atribui valor artístico aos objectos que estariam desprovidos dele.
    Todos estão unidos na destruição da arte tradicional e seus fundamentos, negando o seu valor. Criam a antiarte.

    Objectos encontrados são retirados do seu contexto, assinados e considerados obras de arte (são os readymade). Esta atitude provocatória foi característica do movimento Dada, que contesta a obra de arte de sentido tradicional, propondo uma nova estética.

Marcel Duchamp, Fonte, 1917 (readymade)

Nada de pintores, nada de literaturas, nada de músicos, nada de escultores, nada de religiões, nada de republicanos, nada de realistas, nada de imperialistas, nada de anarquistas, nada de socialistas, nada de bolchevistas, nada de políticos, nada de proletários, nada de democratas, nada de burgueses, nada de aristocratas, nada de exércitos, nada de polícia, nada de pátrias, enfim, basta de todas essas imbecilidades, mais nada, mais nada, nada, nada, nada, nada.

    Desta maneira, esperamos que a novidade, que será a mesma coisa que o que nós não queremos, se imporá menos podre, menos egoísta, menos mercantil, menos obtusa, menos imensamente grotesca. Vivam as concubinas e os concubistas. Todos os membros do movimento Dadá são presidentes.

Vinte e Três Manifestos Dadá, Litérature, nº 13, Maio de 1920

Estilos Artísticos - Abstracionismo

Piet Mondrian







Pieter Cornelis Mondriaan foi um importante pintor modernista holandês. Nasceu na cidade holandesa de Amersfoort em 7 de Março de 1872 e faleceu em Nova Iorque, no dia 1 de fevereiro de 1944. Mondrian é o fundador da corrente artística conhecida como escolasticismo.









Biografia (principais momentos da vida do artista):

- Desde jovem interessou-se por pintura, porém enfrentou a rejeição da família que era muito religiosa e encarava a arte como uma atividade pecaminosa.

- Lecionou arte por um período, porém insatisfeito com a profissão, resolveu dedicar-se à pintura.
- Entrou em contato, ainda jovem ( a partir de 1908), com a Teosofia que influenciou muito sua visão de mundo e formação pessoal e artística.
- No início de sua carreira foi muito influenciado pelo impressionismo e naturalismo. Nesta fase, destacam-se as pinturas Árvores ao andar e O Moinho Vermelho.
- Em 1913, foi conhecer a exposição de arte cubista na cidade de Amsterdã. Esta visita impressionou muito Mondrian e teve grande influência na formação de seu estilo artístico.
- Em 1917, junto com outros artistas, fundou a revista De Stijl.
- Em 1930, entrou para o grupo "Cercle et carré" e no ano seguinte para o grupo "Abstração-Criação".
- Em 1938, esteve em Londres e, em 1940, foi para Nova Iorque, cidade em que ficou muito impressionado com o Jazz.

Principais características do estilo artístico de Mondrian:

- Sua obra foi influenciada pelo pensamento teosófico.

- Foi influenciado também pelo naturalismo e impressionismo.

- Destacou-se com obras abstratas geométricas, principalmente trabalhando com formatos retangulares.

- Utilizou, em suas obras, principalmente cores primárias (vermelho, azul, branco, preto, amarelo). Mondrian considerava estas como as cores elementares do Universo.

Composição com vermelho, amarelo e azul, ano de 1921, óleo sobre tela, coleção Haags Gemeentemuseum, Haia. © DACS, 1993.

Principais obras de Mondrian:

- Árvores a luz da Lua - 1908
- A àrvore vermelha - 1908
- Paisagem - 1909
- A Igreja de Domburg - 1910
- O Moinho Vermelho - 1910
- Evolução - 1911
- Macieira em flor - 1912
- Composição (árvore) - 1913
- Composição com cores B - 1917
- Tabuleiro com cores claras - 1919
- Composição com vermelho, amarelo e azul, ano de 1921
- Composição com amarelo - 1930
- Broadway Boogie-Woogie - 1942

Estilos Artísticos - Abstracionismo

Wassili Kandinsky

Wassily Kandinsky nasceu a 4 de Dezembro de 1866, em Moscovo. Estuda Direito e Economia, vindo a ser, inclusivamente, professor na Faculdade de Direito, e escreve sobre temas relacionados com a espiritualidade.

É em 1895 que, de visita a uma exposição em Moscovo sobre o Impressionismo francês, vê um quadro de Monet que o interessa, provocando-lhe a vontade de pintar – contudo, deseja pintar obras que exprimam alguma coisa. De facto, é esta necessidade interior de expressar as suas percepções emocionais que o levam ao desenvolvimento de um estilo de pintura abstracto, baseado em propriedades não-representativas de cor e forma – a abstracção lírica.Vive grande parte da sua vida na Alemanha, o que influenciou sobremaneira o seu estilo e percepções. Vem a ensinar na reconhecida escola de vanguarda, Bauhaus.

Já para o fim da vida, acaba por deixar novamente a Alemanha (a primeira vez havia sido com o iniciar da 1ª Guerra Mundial) e instala-se perto de Paris, precisamente com o objectivo de aí terminar a sua vida. Morre em Neuilly-sur-Seine em 1944, aos 78 anos.

Executa a sua primeira aguarela enquanto primeiro pintor abstracto e teórico de arte não figurativa, em 1910. Influenciado pelo impressionismo de Monet e pelo romantismo da música de Wagner, faz a apologia da força da cor, em que cada tela é “o teatro da cor”.

Claramente espiritualista, tece a sua busca pictórica em torno da procura do próprio conteúdo da arte, da sua essência, da sua alma. 


As referências ao mundo exterior são, deliberadamente, inexistentes.

Mais do que pintor, teoriza sobre a pintura, sobre o seu objectivo, sobre as suas sensações. Para Kandinsky, o objectivo da pintura é, precisamente, “encontrar a vida, tornar perceptíveis as suas pulsações, estabelecer as leis que as regem.”

 O movimento geral da composição é ritmado por círculos, ovais, triângulos, riscas, pintas; ascendentes, descendentes, rotativos. As cores vivas pretendem provocar sensações, emoções; aliadas às formas, criam uma harmonia que age sobre todo o corpo humano.

Estilos Artísticos - Abstracionismo

Abstracionismo






A arte abstracta tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro, entre as linhas e os planos, as cores e a significação que esses elementos podem sugerir ao espírito. Quando a significação de um quadro depende essencialmente da cor e da forma, quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível, ela passa a ser abstracta.
Abstracionismo Geométrico ou Formal, as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica.








Neoplasticismo, seu criador e principal teórico foi Piet Mondrian. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho, azul e amarelo). O ângulo reto é o símbolo do movimento, sendo rigorosamente aplicado à arquitectura.
Piet Mondrian (1872-1944), pintor holandês. Depois de haver participado da arte cubista, continua simplificando suas formas até conseguir um resultado, baseado nas proporções matemáticas ideais, entre as relações formais de um espaço estudado.
O artista utiliza, como elemento de base, uma superfície plana, retangular e as três cores primárias com um pouco de preto e branco. Essas superfícies coloridas são distribuídas e justapostas buscando uma arte pura.
Segundo Mondrian, cada coisa, seja uma casa, seja uma árvore ou uma paisagem, possui uma essência que está por tráz de sua aparência. E as coisas, em sua essência, estão em harmonia no universo. O papel do artista, para ele, seria revelar essa essência oculta e essa harmonia universal.
Ele procura, pesquisa e consegue um equilíbrio perfeito da composição, despojado de todo excesso da cor, da linha ou da forma.
Em 1940, Mondrian foi para Nova York, onde realizou a última fase de sua obra: desapareceram as barras negras e o quadro ficou dividido em múltiplos retângulos de cores vivas. É a série dos quadros boogie-woogie.